Lost In France est un nouveau documentaire sur un groupe de groupes écossais qui, au début des années 1990, décident de se regrouper et de se rendre en France pour assister à un festival de musique dans un village endormi.

Mogwai, The Delgados, Bis et plusieurs acteurs ont fait un voyage de retour en France et ont rappelé leurs expériences à l'époque et ce qu'ils ont fait du temps qu'ils y ont passé, ainsi que l'endroit où ils se trouvent actuellement.

Nous avons parlé au réalisateur Niall McCann de son propre parcours avec différents groupes, en réfléchissant à leur carrière, à l'industrie musicale au sens large, et en coupant les images pour en faire une histoire cohérente.

Comment en êtes-vous arrivé à participer à la réalisation de cela ? Étiez-vous fan ce jour-là ?

J'ai rencontré Aidan Moffat d'Arab Strap après avoir joué à Grand Social à l'été 2012, je me suis présenté et nous sommes restés en contact. Quelques mois plus tard, je suis allé le voir et j'ai passé la journée avec lui à Glasgow, discutant de la scène musicale des années 90 et de ses souvenirs. Aidan a mentionné ce voyage qu'ils ont tous fait à Moron en France et quelque chose m'a frappé. J'ai eu mon chemin dans l'histoire. Malheureusement, Aidan n'a pas pu nous rejoindre pendant le voyage car il avait son propre film en production à l'époque, mais cela m'a permis de me recentrer et Stuart Henderson qui dirigeait Chemikal à l'époque est devenu en quelque sorte notre personnage principal. Après, il y a eu beaucoup d'allers-retours pour convaincre les gars de faire le film avec moi…

Après les avoir tous rencontrés, j'ai réalisé que pour les faire réfléchir sur leur vie et ce qu'ils avaient accompli, je devais les faire quitter Glasgow, la société était sous une forte pression financière lorsque tout cela s'est produit (l'industrie musicale avait été affaiblie par partage de fichiers et baisse des ventes d'albums, dont parle le film), donc je savais que la dernière chose qu'ils voulaient était de s'asseoir à Glasgow et de se féliciter lorsque les quelque 20 années qu'ils ont passées à bâtir leur entreprise se sont effondrées de rien sous leurs yeux. Et c'est aussi ce que voulait Morrone, le voyage de retour était une façon de les faire parler, de leur donner de l'espace pour réfléchir.

Le film parle donc de ce voyage en arrière, avec la marque Chemikal Underground en son centre, et Stuart, Emma, ​​​​Paul et des gens comme Alex Kapranos, RM Hubert et Stuart Braithwaite pour représenter également la scène au sens large. Ce qui m'intéresse dans le parcours de Moron, c'est sa nature. Chacun de nous peut s’identifier au voyage car la plupart d’entre nous ont vécu des expériences similaires. Le cinéma concerne avant tout les gens et nous pouvons tous voir des éléments de notre propre vie dans leurs histoires. Peu importe que vous soyez musicien, artiste ou comptable. Vous pouvez vous y voir. Le voyage m’a aussi permis de faire facilement des parallèles entre le milieu des années 1990 et aujourd’hui. Beaucoup de choses ont changé. Cela a complètement changé et c’était une excellente façon de souligner et de discuter de ce changement.

Est-ce que ça a été difficile de réunir tout le monde ? Je sais qu'Alun Woodward des Delgados n'était pas impliqué, y avait-il une raison précise à cela ?

Ces choses sont rarement faciles, surtout lorsqu'il s'agit de musiciens. Leurs vies sont toutes très différentes maintenant qu'avant, ils ont des familles, etc., mais ils étaient tous très disposés et ouverts à l'idée qu'à l'époque, c'était plus un problème de logistique que de les convaincre de venir. Le cinéma, c'est un peu comme garder des chats, il suffit d'espérer que les étoiles s'alignent et que les choses se passent comme vous l'espériez, mais c'est cette quantité inconnue qui le rend aussi magique.

Alon avait un certain nombre de problèmes personnels en cours à ce moment-là, ce qui rendait difficile pour lui de nous rejoindre là-bas. Comme je l’ai dit, réaliser un film avec un casting d’ensemble se heurte à des difficultés évidentes, contrairement à l’histoire d’une seule personne. Les Delgados étaient comme une famille et je sais qu’ils le voulaient tous là-bas. Il domine les événements du film et constitue une présence palpable, mais c'était génial de les avoir tous là.

J'ai imaginé dès le début que je ferais probablement le film avec un plus petit groupe de personnes ayant fait le voyage original plutôt qu'avec tous ceux qui y sont allés la première fois. Je savais donc que je ne les récupérerais pas tous. Cela aurait été impossible.

L’une des grandes choses que j’ai remarquées dans le documentaire était à quel point tout le monde était brutalement honnête, ou du moins semblait brutalement honnête. Était-ce le cas et comment les avez-vous amenés à s’ouvrir à vous ?

confiance. En tant que cinéaste, j’ai souvent l’impression que c’est la chose la plus importante de toutes. J'ai passé beaucoup de temps avec chacun d'eux. Petit à petit, ils apprennent à vous connaître, et vice versa. Quand j’ai rencontré Paul Savage, nous nous sommes tout de suite entendus et il a joué un rôle énorme pour rallier tout le monde au projet. Paul est un gars formidable et dès qu’il est monté dans l’avion, les autres ont pu voir que j’étais de leur côté. Beaucoup de gens ont déjà essayé de les convaincre de faire un film, mais en vain.

Lorsque vous filmiez les interviews, en particulier celles d'Emma Bullock à propos de sa relation avec Paul Savage, etc., avez-vous pensé : « D'accord, cela approche trop de l'os, je dois arrêter », ou vous en êtes-vous éloigné ? ?

Pas du tout si je suis honnête. Les gens connaissent l'histoire lorsque vous les interviewez, et si vous vous êtes ancré en tant que cinéaste et avez discuté du concept du film, de ce que vous recherchez et de la destination que vous essayez d'aller, le sujet doit être disposé à le faire. pour aller avec toi. Les gens ne peuvent pas non plus répondre aux questions s’ils ne le souhaitent pas, mais j’aime penser que je suis assez charmant pour me permettre de poser des questions grossières !

Avec quelque chose comme ça, on a l'impression qu'il y a une énorme quantité de séquences et d'histoires disponibles à parcourir dans lesquelles vous pourriez potentiellement vous perdre. Au-delà de l’idée de réunir des groupes pour ce festival, y avait-il vos propres critères quant à ce que vous avez fait et ce que vous avez laissé de côté ? Avec combien de séquences avez-vous dû travailler ?

Combien de tirs ? Quelle est la longueur du bout de ficelle ? Lorsque vous dites quelque chose comme ça, vous avez toutes ces archives, ces clips vidéo, ces interviews et ces images du présent, etc. Mais ce qui m'a frappé quand j'ai regardé le début du montage et avant, c'est le plan avec lequel Kara (l'éditeur) et moi nous sommes assis, à savoir que le traitement que j'ai écrit était en fait très proche de là où nous nous étions arrêtés. Je savais que le trajet de retour en bus allait être l'épine dorsale du film et qu'ils y arriveraient à la fin du film, et cela dictait beaucoup de choses.

Il s'agit de tuer vos chéris et nous avons dû perdre beaucoup de belles choses, comme c'est toujours le cas. C'est comme de la torture. Les critères n'étaient rien d'autre que ce qui était le mieux dans le contexte du film et ce que vous vouliez dire sur l'évolution de l'industrie musicale, de la classe sociale, de la protection sociale, des arts, etc., et le film lui-même vous était souvent dicté lors du montage. C’est une expérience très transformatrice. Mais pas toujours amusant ! Il est difficile de déterminer le nombre exact de tirs, mais il est certain que le rapport de tir est d'au moins 10 : 1, et peut-être plus.

Je pense que cela aurait pu être un film de concert live, mais à la place, c'est devenu ce genre d'enregistrement de scène, de temps, etc. L’avez-vous abordé avec cela à l’esprit ou est-ce que cela s’est réuni lors du montage ?

Oui, depuis le début, j'ai toujours voulu que ce soit un enregistrement de cette époque perdue que je pense que beaucoup de gens ne réalisent probablement pas que nous avons perdue. Le voyage à Mauron et le concert à Momos ont été la cerise sur le gâteau à bien des égards. Qu'une fête soit quelque chose que nous commençons et auquel nous revenons sans cesse est quelque chose qui est devenu clair dans le montage plus que toute autre chose.

Vous devez être prêt à changer de cap et à faire ce qui est bon pour le film. Vous êtes au service du film. Pas le contraire. J'aime la façon dont la fête dans le film est comme un autre portail vers le passé. Le passé est tout autour de nous et vous pouvez y tomber si vous le souhaitez.

L’une des grandes choses qui a attiré mon attention était à quel point certaines histoires et certains personnages étaient drôles et à quel point l’humour était grossier. Une histoire qui n'a pas réussi à maintenir la note ou quelque chose comme ça ? Histoire préférée que vous avez entendue ?

Il y avait une histoire dans notre film où quelqu'un frappait un journaliste chargé avec une chaise que nous avions laissée derrière nous comme cette personne nous l'avait demandé. Vous devez être prêt à faire des concessions mutuelles lorsque vous réalisez un film comme celui-ci et être conscient que vous avez affaire à des vies réelles et à des histoires privées de gens.

Il y a eu beaucoup d’histoires gâchées sur le voyage et cette époque. Tout ce que nous avons laissé de côté était soit par respect pour les personnes qui n'étaient pas impliquées cette fois-ci, soit en raison du manque d'espace dans le film. Il y avait une autre histoire à propos du chauffeur de bus qui apparaissait plusieurs fois dans le film. Il s'est assis en criant à cette vieille dame qui leur servait le dîner et qui ne l'a pas compris : « Avez-vous du f@@king malk » (lait) et a finalement dit à la femme confuse que c'était « à cause du roucoulement » (vache). Je ne pense pas qu'il s'intéressait au vin rouge qu'ils servaient.

Rien n'a été laissé de côté parce que c'était trop, et si j'avais tout mis dedans, cela aurait pris cinq heures. Perdu en France Redux. Si c'est assez bien pour Francis Ford Coppola, c'est assez bien pour moi.