Célèbre pour ses peintures de taches et de gouttes colorées, la répétition obsessionnelle de son nom et une manière libre de composer, le natif de New York John Perello alias Jean Wen Il arrive à Paris en 1987 et s’installe rapidement dans son atelier connu sous le nom d’Hôpital Éphémère, l’hôpital Bretonneau abandonné à Paris temporairement transformé en ateliers d’artistes, espaces d’exposition, salles de répétition et studios d’enregistrement. Maintenant avec des studios aux Lilas en banlieue parisienne et à Roubaix dans le nord de la France, sa dernière exposition personnelle s’intitule « La Tentation du Décor » Elle est exposée jusqu’au 3 septembre 2023 à La Piscine de Roubaix – une ancienne piscine couverte Art Déco transformée en musée.

Présentant près de 200 pièces, l’exposition présente un couloir complet et des vestiaires face à la piscine remplis de sa série de peintures Pandemic de 2020 à 2023, et ses incursions dans les arts appliqués à travers des collaborations avec le fabricant de porcelaine de Gien, le cristallier Daum et la maison de couture Agnès b . et la brodeuse Atelier Safran Cortampert et des peintures des années 1990 à nos jours. Au cours de sa carrière de 36 ans en France, JonOne est devenu l’une des figures de proue de l’art urbain français contemporain omniprésent, ses chefs-d’œuvre rarement vus des années 1990 avec ses aérographes combinés avec des spirales, des peintures détaillées et ses empreintes sont très demandées par collectionneurs de monnaie d’aujourd’hui. Je m’assois avec lui pour en savoir plus sur son exposition en cours.

Quelle esthétique « libre » avez-vous inventée qui exprime vos expériences personnelles ?

A ce jour, je ne sais pas dessiner. C’est une bonne chose car cela montre qu’il n’est pas nécessaire de bien dessiner pour être un artiste car je ne peux pas dessiner une silhouette, une bouche ou mes mains. Non pas que je ne sais pas dessiner, ça m’ennuie juste, un peu comme le font les ordinateurs. Quand quelque chose m’ennuie, je ne peux pas le faire, donc quand j’ai commencé à peindre, vous savez que le système américain est très conservateur, malgré ce que vous pourriez penser. Quand on quitte New York ou la Californie et qu’on pénètre dans les profondeurs de l’Amérique, c’est un endroit conservateur. Pour obtenir un emploi, vous devez avoir une certaine langue. Il faut parler d’une certaine manière, même à la maison, car je suis originaire de Saint-Domingue et j’ai grandi dans la rue. Quand je parle anglais c’est un peu comme un voyou mais quand tu es dans le monde du travail new-yorkais tu dois complètement changer de langue. Vous devez parler comme un homme blanc et vous devez vous habiller comme lui : pantalon beige, ceinture marron foncé, baskets, mocassins de bateau ou polos. Vous devriez jeter un oeil. Il est très discret et j’avais l’impression de ne pas m’intégrer, j’étais très restrictif. Je voulais être libre dans tout ce que je fais. Ce système américain me rendait fou. Quand j’ai commencé à dessiner, je ne voulais pas avoir le même genre de limitations que de me présenter comme un graffeur, comme un gars du hip-hop ou dessiner de manière figurative, figurative ou graphique et dessiner certains contours. Je voulais faire ce que je voulais faire. Je voulais me trouver. J’ai peint dans la rue juste pour être libre. Je dessine pour être libre, c’est pourquoi le freestyle est né, c’est-à-dire que vous faites ce que vous voulez faire. Au moment où vous vous exprimez et dites quelque chose, c’est génial. Plus tard, j’ai découvert que Harlem, où j’ai grandi, était l’endroit d’origine où il y avait beaucoup de free jazz. Ainsi, la recherche de la liberté n’est pas une chose accidentelle. C’est New York, danser et briser les conventions et des choses comme ça. C’est ainsi que sont nées mes idées de freestyle, improvisant les couleurs, le mouvement et l’énergie de manière poétique.

Décrivez votre exposition en cours « La Tentation du Decor » à La Piscine pour mettre en valeur vos projets en arts appliqués.

J’ai de la chance car il y a une rubrique dédiée à mes dessins, et ça fait beaucoup de dessins car je dessine beaucoup. Ce ne sont pas tous mes dessins. J’en ai fait des centaines et des milliers. Comme Roubaix est connu pour produire du textile, vous pouvez voir ce que j’ai fait avec Agnès b. Cela correspond aux textiles et à la façon dont j’ai pu adapter mon style à différentes choses. J’ai fait des bouteilles Hennessy, peint des avions, fait des tapis, et ici vous verrez quelques-uns des vases et des plats que j’ai peints. Il y a aussi un volet roulant métallique ayant appartenu à François Hacker de la Galerie Provost-Hacker car il souhaitait avoir un élément rue dans la galerie. Je pense que cela fonctionne bien et rappelle aux gens mon parcours. L’autre partie de l’exposition est une petite rétrospective avec des peintures anciennes et nouvelles. J’en suis très content car il montre les différentes ambiances, la variété de mon travail et son entrée dans un musée.

Parlez-moi des deux tableaux à l’entrée de la salle des rétrospectives.

J’ai ces deux petites planches ici. Ils font partie d’une série très controversée, que je répète, qui est partout. Je pense qu’ils sont géniaux, mais les gens ont dit beaucoup de mal de moi. Je fais ces tableaux parce que je les trouve beaux. J’aimerais en faire plus parce que l’idée est un peu comme des panneaux en noir et blanc, pour les gens qui aiment le street art mais qui n’aiment pas les graffitis. Ils aiment quand je fais des choses vraiment jolies avec de jolies couleurs et des choses qui se répètent, mais pas les tags, donc l’idée de faire des choses, c’est un peu comme du camouflage, comme quand tu entres dans un endroit et que personne ne te voit. J’en ai fait beaucoup et ça a été un énorme succès, mais en même temps, les gens m’ont reproché de ne pas comprendre et de dire que je fais beaucoup de cela, alors je suis content qu’ils soient ici.

Quelle est l’histoire derrière la pièce où un billet de 90 $ 1 $ a été utilisé comme toile ?

Vous m’avez posé des questions sur le succès. Il y a eu des périodes dans ma vie où il était difficile de vendre des tableaux, où je n’avais pas les moyens de payer les factures, et puis tout d’un coup, l’argent est venu, les gens sont venus acheter mes tableaux et puis il y a eu de nouveaux amis. Là où il y a de l’argent, il y a des gens et ils vous aiment tous et veulent vous emmener dîner dans les meilleurs restaurants. Mais vous réalisez que c’est un ghetto comme tous les autres ghettos parce que vous allez à leur table et buvez un vin délicieux, mais vous vous ennuyez en fait, alors vous mettez les dollars et les cochez.

Qu’aimez-vous dans la peinture à l’huile en tant que médium ?

J’adore travailler dans le pétrole. Je l’ai fait il y a peut-être trois ou quatre ans. Il m’a fallu beaucoup de temps pour trouver quelque chose à dire dans l’huile parce que l’huile absorbe différemment la brillance, crée des ombres et des choses comme ça. Il change de style car parfois c’est très brut et nu, un peu street, et parfois c’est très graphique et propre.

Parlez-moi de votre méga-chef-d’œuvre de 1992, « José Garcia RIP ».

Je vais vous raconter l’histoire. C’est une peinture qui me fait délirer de voir ici. J’ai même demandé à mon assistant Mikus si c’était moi. Il a fallu des mois et des mois pour fabriquer ce tissu. Cela m’a pris beaucoup de temps. J’ai tout mis dedans, et quand j’ai fini c’était comme du bingo, j’étais tellement content. Regardez la qualité de la toile, elle est synthétique et lisse, comme si vous dessiniez sur une feuille de papier ; J’ai vraiment aimé dessiner dessus. Je m’en souviens parce que c’est une grande toile, je la mets au milieu de chez moi et je peins dessus. J’étais à l’Hôpital Éphémère quand je l’ai créé. Et parfois, les gens venaient me voir faire des choses terre à terre. Regardez chaque petit détail. Comme un imbécile, parce que j’avais besoin d’argent, je l’ai vendu à un couple formidable qui vivait dans un manoir à 16 ans^y Cercle. Ils avaient beaucoup d’argent et étaient pleins d’énergie. Après cela, le mari m’a demandé de venir chez lui. Je suis passé devant sa maison en pensant qu’il allait acheter une toile. Il m’a dit qu’il était en train de divorcer et qu’il voulait me demander quelque chose, puis m’a montré un sac poubelle en plastique en disant : « C’est votre tableau. Ma femme l’a mis dans un sac poubelle. Pouvez-vous le réparer ? Tout a été écrasé. C’est pourquoi vous voyez toutes les éraflures. Ensuite, j’ai récupéré le tissu et je l’ai réparé. C’est fou de voir l’histoire de ce tableau.

Qui a collectionné « Come and Go » acrylique sur toile à partir de 1993 ?

Celle-ci appartient à mon ami Jean-Louis qui est décédé. A cette époque, Paris n’était pas du tout comme aujourd’hui avec 10 millions d’artistes créant des tableaux. Quand je suis arrivé en 87, il n’y avait personne pour faire les peintures. C’était moi et quelques autres personnes, je n’étais pas trop sérieux, et il n’y avait probablement qu’une seule personne qui avait acheté les tableaux. Il s’appelait Jean-Louis. Il était fou. Il a gagné son argent en vendant des vêtements pour hommes Chevignon à Paris. Il avait une vraie collection d’art et il m’a beaucoup aidé.

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