En mai 1889, vers la fin de sa courte vie, Vincent van Gogh s’enferme à l’orphelinat Saint-Paul de Saint-Rémy en Provence, craignant que sa santé mentale fragile ne conduise à un autre effondrement, comme celui qui l’avait blessé. . Automutilation le Noël précédent.

Niché dans la chaîne des Alpilles, dans le sud-est de la France non loin de la côte méditerranéenne, le Sanatorium, un ancien monastère logé dans un édifice romain, promettait d’apporter à Van Gogh le calme dont il avait besoin pour se stabiliser et poursuivre sa peinture.

Il finit par y rester un an avant de s’en sortir en mai 1890, productif mais toujours agité. Deux mois plus tard, il mourut de ses blessures par balle. Durant son séjour, malgré ses souffrances, il peint 150 tableaux remarquables, dont une série de champs de blé locaux et d’oliviers, et l’abri lui-même.

Van Gogh savait que la série était bonne pour le marketing. Il était toujours rusé en matière d’art, ayant suivi une formation de marchand lors de sa première tentative infructueuse de carrière. De plus, son oncle homonyme et son cher frère Théo sont marchands d’art depuis longtemps.

10 des 15 peintures de la série Olive Trees, jamais auparavant le sujet de leur propre exposition dédiée, sont maintenant exposées au Dallas Museum of Art, le résultat d’une campagne d’une décennie par Nicole Myers du DMA et Nienke Packer de le musée Van Gogh à Amsterdam, où Le spectacle voyagera au printemps prochain.

Comme presque toutes les œuvres les plus célèbres de Van Gogh des deux dernières années de sa vie, la série des Oliviers se distingue par la palette expressive et émotionnelle qui est devenue sa marque de fabrique. Depuis son arrivée à Arles l’année précédente, la lumière vive et les paysages du sud de la France l’ont poussé à abandonner définitivement les gris et les bruns ternes de ses huit premières années.

Même après avoir vu d’innombrables copies de Van Gogh, la réalité est à couper le souffle pour le spectateur. Les couleurs semblent jaillir de la toile comme des êtres vivants, scintillant et se tordant. L’exploit de Van Gogh a été d’autant plus surprenant que j’ai appris qu’il utilisait malheureusement des pigments dits « Lake Red » qui risquaient de s’estomper presque dès la fin de son travail. Ainsi, le rouge que nous voyons n’est qu’une nuance de ce qu’ils étaient avant.

Comment a-t-il fait? Le côté technique de cette question est répondu dans une exposition tentaculaire et informative qui suit l’exposition principale, explorant les matériaux et les techniques de Van Gogh dans les moindres détails. Ceci est le résultat d’importants efforts de recherche et de conservation par les musées participants, qui ont établi une chronologie cohérente pour la série ainsi que l’étendue de la tragédie de Red Lake. Les visiteurs à l’esprit scientifique seront particulièrement intéressés.

Du côté créatif de la question, l’exposition montre comment l’approche de Van Gogh a évolué au cours de l’été et de l’automne 1889, lorsqu’il a peint la série en deux groupes distincts. Tout d’abord, en juin et juillet 1889, il a produit le premier ensemble de quatre toiles maintenant dans la galerie principale, dans lequel il a exploré comment présenter les formes distinctives et stimulantes des oliviers dans le style abstrait expressif de la synthèse.

Ce groupe comprend Olivier, prêté par le Museum of Modern Art de New York, et accompagne des personnalités de renommée mondiale nuit étoilée peint en même temps. Ici, les arbres, ainsi que les Alpilles en arrière-plan et les nuages ​​dans le ciel, deviennent des forces tourbillonnantes et ondulantes et organiques, semblant presque bouger.

Les conservateurs attirent l’attention sur la façon dont les oliviers, ainsi que les rythmes agricoles saisonniers de la Méditerranée, symbolisent la vie physique et spirituelle dans les récits bibliques. Ainsi, dans ses lettres à son frère Théo, Van Gogh décrivait le réconfort que ces arbres représentaient : la sérénité de se retrouver chez soi et vivant au milieu d’une nature vivante.

En fait, les plaques semblent pratiquement vibrer d’énergie vitale. Il est difficile de deviner, en les regardant, combien Van Gogh souffrait.

Mais après ce succès estival, le calvaire est revenu : d’abord, une autre série de dysfonctionnements qui ont fait baisser Van Gogh pendant plusieurs semaines. Puis, à l’automne, ses amis et confrères compositeurs Émile Bernard et Paul Gauguin rédigent des copies de leurs œuvres en cours, compte tenu de ses encouragements. Chacun dessinait une copie du Christ dans l’oliveraie de Gethsémani, où il a prié la nuit précédant son arrestation et sa crucifixion.

Que ce soit par jalousie, par jugement esthétique ou les deux, Van Gogh a rejeté avec véhémence les efforts de ses amis. Il croyait que leurs œuvres étaient purement fictives et n’étaient pas basées sur l’étude minutieuse de vrais oliviers, comme il l’a fait près du sanctuaire. S’éloignant de la synthèse compositionnelle de ses amis de sa dernière collection d’oliviers en novembre et décembre, il a renouvelé son engagement pour le réalisme et l’observation attentive de la nature.

Utilisant un style de coups de pinceau discrets distincts à la manière de Monet ou de Seurat pour représenter les effets de lumière et d’atmosphère « scientifiquement », il dit à Théo qu’il cherchait « un réalisme dur et quelque peu rugueux » qui « transmettrait le caractère rustique, et l’odeur de le sol ».

En effet, dans ces peintures, une lumière rougeoyante rayonne à travers la terre, les arbres et le ciel, il semble donc que vous puissiez la savourer richement. Oliveraie, Saint-Rémy (prêt de Göteborg, Suède) Montre les ombres dramatiques de « l’heure dorée » en fin d’après-midi, alors que la cueillette d’olives mûres émerge des arbres dans une frénésie de fertilité.

Ces peintures d’automne montrent l’une des raisons pour lesquelles l’œuvre de Van Gogh continue d’être étroitement associée au public. Bien qu’il soit attaché aux méthodes « réalistes », ces méthodes ne se réduisent pas pour lui à une simple technique mécanique ou scientifique, comme il l’accuse parfois de le faire Seurat et Monet.

Au lieu de cela, il a continué à lutter contre un profond désir spirituel tout au long de sa carrière, estimant qu’une étude minutieuse de la nature était en fait la façon la plus authentique de représenter la vie spirituelle plutôt que les peintures littéraires « irréelles » peintes par ses amis.

Pris séparément, ni le parcours personnel de Van Gogh ni ses prouesses artistiques ne produiront à eux seuls du grand art. Le secret réside dans la façon dont il relie ces choses dans sa quête incessante pour montrer comment les formes mêmes du monde naturel révèlent un niveau spirituel plus profond de réalité qui peut lui parler et le réconforter au cours de ses luttes existentielles.

Comme le suggèrent les conservateurs, pour Van Gogh, l’olivier n’est pas « simplement » un olivier, mais à un certain niveau, l’arbre de vie.

Il est difficile d’imaginer une meilleure définition de la beauté artistique que celle-là. Une telle exposition ne vient pas tous les jours, et elle vaut le prix du billet pour l’exposition spéciale.

des détails

« Van Gogh and the Olive Groves » se déroulera jusqu’au 6 février au Dallas Museum of Art, 1717 N. Harwood St. Ouvert du mardi au dimanche de 11 h à 17 h et du vendredi à 21 h Billets à durée limitée requis : 20 $ pour les adultes, 18 $ pour les militaires et les personnes âgées. 16 $ pour les étudiants; Gratuit pour les membres et les enfants de moins de 11 ans. 214-922-1200. dma.org.